Πέμπτη 23 Φεβρουαρίου 2012

Peter Doig


Τα αφηρημένα, ονειρικά τοπία που αναδύονται από τους πίνακες του Σκωτσέζου ζωγράφου Peter Doig βρίσκουν για ένα διάστημα στέγη στην έκθεση σύγχρονης τέχνης "Made in Britain" η οποία φιλοξενείται στο Μουσείο Μπενάκη, υπό την αιγίδα του Βρετανικού Συμβουλίου.

Μετάφραση κειμένων έκθεσης: Γιώργος Τσελώνης
Επιμέλεια κειμένων: Βρετανικό Συμβούλιο, Γιώργος Τσελώνης




Ο Peter Doig γεννήθηκε το 1959 στο Εδιμβούργο και πέρασε τα παιδικά του χρόνια στο Τρινιντάντ και στον Καναδά, πριν επιστρέψει στη Μεγάλη Βρετανία το 1979. Σπούδασε τόσο στο Wimbledon School of Art όσο και στο St. Martin’s School of Art, ενώ στη συνέχεια μετακόμισε στο Λονδίνο για να ολοκληρώσει τις μεταπτυχιακές του σπουδές στο Chelsea School of Art. Επέστρεψε στο Τρινιντάντ το 2002, όπου σήμερα ζει και εργάζεται.

Παρότι ο Doig καθιέρωσε τη φήμη του ως καλλιτέχνης του οποίου το εικαστικό έργο αποτελείται σχεδόν αποκλειστικά από τοπία, ο ίδιος παραμένει «ζωγράφος τοπίων» υπό μια εντελώς παραλλαγμένη, μη συμβατική έννοια που αψηφά κάθε κατηγοριοποίηση. Οι πίνακες που δημιουργεί είναι εικόνες τοπίων που ίπτανται μεταξύ μνήμης και φαντασίας, εμπνευσμένων από φωτογραφικά και κινηματογραφικά ερεθίσματα ή ανάλογες εμπειρίες που ο καλλιτέχνης έχει συλλέξει τόσο κατά τη διαμονή του σε αστικό περιβάλλον όσο κι από ένα ευρύ φάσμα αναμνήσεων της παιδικής του ηλικίας, αποτελούμενο από φυσικά τοπία. Σε μεγάλες επιφάνειες καμβά ανακαλεί εικόνες απ’ τις αχανείς εκτάσεις του Καναδά, χρησιμοποιώντας όχι μόνο τα αποθέματα της μνήμης του, αλλά και την αντίληψη του θεατή ως προς τη συλλογική ανάμνηση ενός τοπίου. Η πανοραμική του ματιά παραπέμπει σε ανάλογες κινηματογραφικές εικόνες, ενώ ο ίδιος έχει παραδεχθεί την επιρροή που ασκεί η διαδοχή των καρέ στο εικαστικό του έργο. Ο Doig περιγράφει τον πίνακά του "Hill Houses" (1990-1991) ως την «προσωπική απεικόνιση μιας φωτογραφίας που βρήκε στο "National Geographic", η οποία του θύμιζε έντονα ένα μέρος στο Κεμπέκ όπου έζησε σε νεαρή ηλικία». Όπως λέει χαρακτηριστικά, «πρόκειται για τη φανταστική απεικόνιση μιας ανάμνησης».

Το έργο του "Untitled" ("Green") (1988) ανήκει σε μια σειρά σπουδών δημιουργημένων με λάδι σε χαρτί, ενώ ο Doig υποστηρίζει ότι είναι εν μέρει εμπνευσμένο από τις τελευταίες σκηνές της ταινίας τρόμου "Παρασκευή & 13" του Sean Cunningham.


Μετάφραση: Γιώργος Τσελώνης

Mat Collinshaw


Ο avant-garde Βρετανός φωτογράφος Mat Collinshaw συμμετέχει με μερικά απ' τα πιο αντιπροσωπευτικά έργα του στην έκθεση σύγχρονης τέχνης "Made in Britain", η οποία διοργανώνεται από το Μουσείο Μπενάκη και το Βρετανικό Συμβούλιο.

Μετάφραση κειμένων έκθεσης: Γιώργος Τσελώνης
Επιμέλεια κειμένων: Βρετανικό Συμβούλιο





Ο Mat Collinshaw γεννήθηκε το 1966 στο Nottingham της Αγγλίας και σπούδασε στο Goldsmiths College, στο Λονδίνο, όπου ζει και εργάζεται σήμερα.

Ο Collinshaw είναι περισσότερος γνωστός για τις φωτογραφίες και τις οπτικές του εγκαταστάσεις (video installations). Το έργο του συνδυάζει την ομορφιά, τη σαγήνη και τον αισθησιασμό με ένα υπόγειο, βίαιο και τρομακτικό ρεύμα από φανταστικές αλλά αποκρουστικές εικόνες: πρόκειται για ψυχολογικές αναπαραστάσεις οι οποίες μ’ έναν παραμορφωτικό τρόπο εξετάζουν την έλξη και την απώθηση που νιώθει ο θεατής απέναντι σε συγκεκριμένες εικόνες. Συχνά, οι εικόνες τροποποιούνται κατάλληλα με ψηφιακά μέσα, ενώ ως υπαινισσόμενο μήνυμα αναδύεται η σχέση μεταξύ της αναπαράστασης και της πραγματικότητας.

Για τη σειρά έργων με τίτλο "Infectious Flowers" χρησιμοποιείται η τεχνολογία του light box, ενώ σε αυτή περιλαμβάνονται οι φωτογραφίες κάποιων ιδιαίτερα σαγηνευτικών λουλουδιών με χυμώδη εμφάνιση. Με μια πρώτη ματιά, ο θεατής εντυπωσιάζεται από τα έξοχα χρώματα και σχήματά τους, αφού είναι δώρα της φύσης και η ομορφιά τους έχει τονιστεί ακόμη περισσότερο μέσω της τεχνολογίας. Ωστόσο, παρατηρώντας κανείς τα εκθέματα, εντοπίζει τις ατέλειές τους: τα πέταλα των λουλουδιών δεν είναι άψογα σχηματισμένα – κάποια τμήματα είναι ρημαγμένα από αρρώστιες, η μορφή τους κρύβει ατέλειες και πάλλεται από κάτι νοσηρό. Οι τίτλοι των έργων δεν αντιστοιχούν στις επιστημονικές ονομασίες των εκτιθέμενων ειδών, αλλά στα αίτια της παραμόρφωσης και της μόλυνσής τους από τις χειρότερες μορφές καρκίνου που υπάρχουν στη φύση. Κατ’ αυτό τον τρόπο, βρίσκει κανείς το θέαμα τόσο ελκυστικό όσο κι αποκρουστικό. Ο Collinshaw αντλεί την έμπνευσή του απ’ την ιστορία ενός δανδή του 19ου αιώνα, ο οποίος απέκτησε τέτοια εμμονή με τα λουλούδια, που αποφάσισε να κλειστεί μαζί τους ερμητικά στην κατάμεστη από αυτά έπαυλή του. Η λατρεία του έγινε τόσο υπερβολική ώστε τελικά τα λουλούδια αρρώστησαν, βυθιζόμενα στην αποσύνθεση όπως και το μυαλό του.

Μετάφραση: Γιώργος Τσελώνης

Τετάρτη 22 Φεβρουαρίου 2012

Jake & Dinos Chapman


Η ψυχοτροπική φαντασία που αναδύεται από το εικαστικό έργο των αδελφών Jake & Dinos Chapman (έντονα επηρεασμένη απ' την τεχνική frottage του Marx Ernst και τους εφιαλτικούς πίνακες του συμβολιστή Odilon Redon) γίνεται για πρώτη φορά προσιτή στο ελληνικό κοινό, στην έκθεση "Made in Britain", η οποία φιλοξενείται στο Μουσείο Μπενάκη. Τα έργα ανήκουν στη συλλογή του Βρετανικού Συμβουλίου.

Μεταφράσεις κειμένων έκθεσης: Γιώργος Τσελώνης
Επιμέλεια κειμένων: Βρετανικό Συμβούλιο, Γιώργος Τσελώνης




Ο Jake Chapman γεννήθηκε στο Cheltenham το 1966 και σπούδασε στο North East London Polytechnic. Ο Dinos Chapman γεννήθηκε στο Λονδίνο το 1962 και σπούδασε στο Ravensbourne College of Art, με έδρα τη βρετανική πρωτεύουσα. Οι δύο καλλιτέχνες συνέχισαν τις σπουδές τους στο Royal College of Art, στο Λονδίνο, το 1990.

Το έργο των Jake & Dinos Chapman καταπιάνεται με καυστικά θέματα-ταμπού όπως ο πόλεμος, η πολιτική, η θρησκεία και ζητήματα ηθικής, ενώ τα δύο αδέλφια μεταδίδουν με υποδόριο τρόπο άφθονη ενέργεια, καθώς και τη δική τους ανατρεπτική αίσθηση χιούμορ. Γνωστοί πρωτίστως για τα γλυπτά τους, οι αδελφοί Chapman χρησιμοποιούν επίσης ως μέσα το σκίτσο, τη ζωγραφική, διάφορα media installations και την τέχνη της τυπογραφίας.

Η σειρά έργων με τίτλο "My Giant Coloured Book" (2004) είναι μια συλλογή από είκοσι ένα χαρακτικά, στα οποία οι δύο καλλιτέχνες ξεδιπλώνουν τις φαντασιώσεις τους ως προς το ιδανικό –αθώο και ασφαλές– παιδικό τετράδιο ιχνογραφίας. Αντλώντας τις επιρροές τους από τη μακρά ιστορία της εικονογραφίας, από τον Goya μέχρι τον σουρεαλισμό, οι αδελφοί Chapman προσθέτουν στις σελίδες σκοτεινότερο περιεχόμενο. Ενώνοντας τις τελείες με τους αύξοντες αριθμούς για να προκύψουν τα σχέδια, έχουμε αρχικά την εντύπωση ότι τα πάντα είναι σωστά. Ωστόσο, μια προσεκτικότερη ματιά μάς βοηθάει να παρατηρήσουμε ότι με κρυπτογραφικό τρόπο αποκαλύπτονται εικόνες που ξεπερνούν τα όρια και τις προθέσεις του συγκεκριμένου παιχνιδιού: αυτό που φαινομενικά μοιάζει με χνουδωτό αρκουδάκι, είναι στην πραγματικότητα ένα ακρωτηριασμένο τέρας με χυμένα εντόσθια. μια υπηρέτρια που κρατάει ένα μπουκέτο φρεσκοκομμένα λουλούδια, βρίσκεται ξαφνικά μόνο λίγα βήματα μακριά από ένα σπίτι που εκρήγνυται, ενώ ένα θαλάσσιο πλάσμα στον ωκεανό γίνεται το καταφύγιο για δύο μαϊμούδες που έχουν ξεπαγιάσει.

Μετάφραση: Γιώργος Τσελώνης


Τρίτη 21 Φεβρουαρίου 2012

Keith Arnatt


Αντιπροσωπευτικό μέρος του καλειδοσκοπικού εικαστικού έργου του καλλιτέχνη Keith Arnatt -προάγγελου του ρηξικέλευθου ρεύματος των Young British Artists- συμπεριλαμβάνεται στην έκθεση "Made in Britain" η οποία φιλοξενείται στο Μουσείο Μπενάκη (Οδός Πειραιώς 138), υπό την αιγίδα του ιδρύματος και του Βρετανικού Συμβουλίου.

Μεταφράσεις κειμένων έκθεσης: Γιώργος Τσελώνης
Επιμέλεια κειμένων: Βρετανικό Συμβούλιο, Γιώργος Τσελώνης


Ο Keith Arnatt γεννήθηκε στην Οξφόρδη το 1930 και ήταν εννοιολογικός καλλιτέχνης και φωτογράφος.

Σπούδασε στη Σχολή Καλών Τεχνών της Οξφόρδης και στο Royal College of Art του Λονδίνου. Αργότερα δίδαξε στα Τμήματα Καλών Τεχνών του Manchester College of Art, του Gwent College of Higher Education και του Liverpool College of Art.

Στις δεκαετίες του ’60 και του ’70 ο Arnatt εξέθεσε ευρέως τα έργα του ως εννοιολογικός καλλιτέχνης, καταγράφοντας παραστάσεις τύπου performance σε ταινίες και φωτογραφικά φιλμ. Το 1967 άρχισε να πειραματίζεται με την τεχνική που αποκαλούσε “Situations”, η οποία περιλάμβανε ανθρώπους και αντικείμενα τοποθετημένα μαζί σε εξωτερικούς και εσωτερικούς χώρους, φωτογραφημένους από τον ίδιο. Στα έργα αυτά, ο καλλιτέχνης και η συμπεριφορά του αποκτούν σταδιακά μεγαλύτερη σημασία ως θέματα.

Επηρεασμένος από το φωτογραφικό έργο των Walker Evans, August Sander και Diane Arbus, ο Arnatt άρχισε να εξερευνεί την ιδέα της φωτογραφίας-ντοκιμαντέρ ήδη σε μια περίοδο που δεν θεωρούνταν δημοφιλής ως εκφραστικό μέσο. Μεταγενέστερα έργα του, όπως το "Brick" (1990), είναι τυπωμένα σε γυαλιστερό χαρτί, με το εικονιζόμενο αντικείμενο να βρίσκεται σε πρώτο πλάνο, ενώ το φόντο είναι βυθισμένο στο σκοτάδι. Οι φωτογραφίες του έχουν ως θέμα μια σειρά καθημερινών και συνηθισμένων αντικειμένων –κουτιά μπογιάς, διακοσμητικά στολίδια κήπου– μεγεθυμένων σε μεγάλη κλίμακα. Ο καλλιτέχνης γνώριζε καλά ότι ο συγκεκριμένος τρόπος ελκυστικής απεικόνισης ενός θέματος αντιστοιχούσε αναλογικά, σε μεγάλο βαθμό, στη δύναμη που διαθέτει η διαφήμιση στα κοντινά πλάνα. Ωστόσο, το έργο του Arnatt ισοδυναμεί με τη «νεκρώσιμη ακολουθία των καταναλωτικών προϊόντων».

Ο Arnatt πέθανε το 2008 σε ηλικία 78 ετών.

Μετάφραση: Γιώργος Τσελώνης

Helen Chadwick


Το έργο της πρωτοπόρου Αγγλίδας φωτογράφου Helen Chadwick -εμβληματικής φυσιογνωμίας για το μετέπειτα ανατρεπτικό ρεύμα των Young British Artists- φιλοξενείται στην έκθεση "Made in Britain" η οποία διοργανώνεται από το Μουσείο Μπενάκη και το Βρετανικό Συμβούλιο.

Μεταφράσεις κειμένων έκθεσης: Γιώργος Τσελώνης
Επιμέλεια κειμένων: Βρετανικό Συμβούλιο, Γιώργος Τσελώνης





Η Helen Chadwick γεννήθηκε στο Croydon του νότιου Λονδίνου το 1953. Σπούδασε στο Brighton Polytechnic την περίοδο 1973-1976. Στη συνέχεια, το διάστημα 1976-1977 παρακολούθησε μαθήματα στο Chelsea School of Art, στο Λονδίνο. Η συνεισφορά της στη σύγχρονη τέχνη ήταν αυθεντική και έντονα προσωπική, αφού η καλλιτέχνιδα χρησιμοποιούσε ως όχημα έκφρασης το ίδιο της το σώμα, τόσο ως υποκείμενο όσο και ως αντικείμενο. Ελάχιστοι καλλιτέχνες εκείνης της περιόδου αξιοποίησαν τα εκφραστικά μέσα της σύγχρονης τεχνολογίας (φωτοτυπικά μηχανήματα, φωτοπροβολείς, φωτογραφίες μεγάλων διαστάσεων με κάμερα Polaroid, φωτογραφίες από μικροσκόπιο, υπολογιστές) με έναν τόσο ξεχωριστό τρόπο όπως αυτή. Ένα απ’ τα θέματα που εντοπίζονται σταθερά στο έργο της Chadwick είναι η αμφισβήτηση των φυσικών αλλά και των πολιτισμικών ορίων. Σε μια μεταγενέστερη σειρά έργων της με τίτλο "Meat Abstracts" (1989), η καλλιτέχνιδα χρησιμοποιεί την Polaroid για ν’ απεικονίσει τα εντόσθια ενός σώματος, εξετάζοντας τα εσωτερικά όργανα σε μια ασυνήθιστη λειτουργία κι από μια παράξενη φετιχιστική οπτική. Το 1987 η φωτογράφος ήταν υποψήφια για το βραβείο Turner, ενώ το 1994 μια ατομική της έκθεση φιλοξενήθηκε στην γκαλερί Serpentine, στο Λονδίνο, με μεγάλη επιτυχία. Η Helen Chadwick πέθανε το 1996.

Μετάφραση: Γιώργος Τσελώνης

Gilbert & George


Συμμετοχή των εικαστικών καλλιτεχνών Gilbert & George στην έκθεση "Made in Britain" του ρεύματος των Young British Artists, η οποία φιλοξενείται στο Μουσείο Μπενάκη.

Μετάφραση κειμένων έκθεσης: Γιώργος Τσελώνης
Επιμέλεια κειμένων: Βρετανικό Συμβούλιο, Γιώργος Τσελώνης



Ο Gilbert γεννήθηκε το 1943 στις Δολομιτικές Άλπεις της Ιταλίας και σπούδασε στο Hallein School of Art και στην Ακαδημία Καλών Τεχνών του Μονάχου. Ο George γεννήθηκε στο Devon της Αγγλίας το 1942 και παρακολούθησε σπουδές στο Dartington Hall College of Art και τη Σχολή Καλών Τεχνών της Οξφόρδης. Οι δύο καλλιτέχνες άρχισαν να συνεργάζονται με έδρα το Λονδίνο από τότε που συναντήθηκαν για πρώτη φορά στη βρετανική πρωτεύουσα, το 1967, στο St. Martin’s School of Art, ενώ συνεχίζουν τη συνεργασία τους μέχρι σήμερα.

Ο Gilbert και ο George επινόησαν και εξακολουθούν συνεχώς να αναπτύσσουν τη δική τους «οπτική γλώσσα». Όπως έχουν δηλώσει: «Κεντρικός άξονας και πρωταρχική έμπνευση για το έργο μας είναι το περιεχόμενο της ανθρωπότητας». Πρωτοεμφανίστηκαν το 1969 ως «Ζωντανά Γλυπτά» χρησιμοποιώντας τους ίδιους τους εαυτούς τους ως κύριο θέμα της τέχνης τους.

Το έργο τους "Intellectual Depression" (1980) είναι ενδεχομένως μία από τις πιο παρανοϊκές δημιουργίες τους, περιλαμβάνοντας την εικόνα ενός σκοτεινού και κακοσχηματισμένου όγκου, γύρω απ’ τον οποίο περιστρέφονται οι έννοιες του θανάτου και της αποσύνθεσης: Η μαύρη σιλουέτα ενός γυμνού κι αποσκελετωμένου δέντρου δίχως φύλλα ξεπροβάλλει έχοντας ως φόντο ένα έντονο κίτρινο χρώμα, μοιάζοντας με μακριά, παραμορφωμένα νύχια που υψώνονται στον ουρανό. Το δέντρο που χρησιμοποιήθηκε στη φωτογραφία βρισκόταν στην πραγματικότητα στην πλατεία Finsbury Circus του Λονδίνου, και υπήρξε δώρο της κυβέρνησης της Ιαπωνίας στη Μεγάλη Βρετανία, ως αποζημίωση για τα δεινά του ΄Β Παγκοσμίου πολέμου. Μια πρόχειρα κατασκευασμένη επιγραφή πάνω στο δέντρο αφηγούνταν την ιστορία του. Ωστόσο, τόσο η επιγραφή όσο και το ίδιο το δέντρο απομακρύνθηκαν από τον χώρο λίγο αφότου ο Gilbert και ο George τράβηξαν τη διάσημη αυτή φωτογραφία.

Μετάφραση: Γιώργος Τσελώνης

Τετάρτη 15 Φεβρουαρίου 2012

Philip Allen


Ο γνωστός Βρετανός εικαστικός της ομάδας Young British Artists συμμετέχει στην έκθεση "Made in Britain" η οποία διοργανώνεται από το Μουσείο Μπενάκη και το Βρετανικό Συμβούλιο (διάρκεια έκθεσης: 15.02.2012-22.04.2012, Μουσείο Μπενάκη, Πειραιώς 138)

Μετάφραση κειμένων έκθεσης: Γιώργος Τσελώνης
Επιμέλεια κειμένων: Βρετανικό Συμβούλιο, Γιώργος Τσελώνης



Ο Philip Allen γεννήθηκε το 1967 στο Λονδίνο. Το 1987 σπούδασε Καλές Τέχνες στο Πανεπιστήμιο του Kingston, και αργότερα, το 1990, παρακολούθησε μαθήματα στο Royal College of Arts. Αμφότερες οι σχολές βρίσκονται στη βρετανική πρωτεύουσα όπου σήμερα ο καλλιτέχνης ζει και εργάζεται.

Οι πίνακες του Allen προκύπτουν έπειτα απ’ τη συνεχή εξάσκησή του με σκίτσα. Δουλεύοντας αρχικά σε επιφάνειες μικρής κλίμακας –όπως σε χαρτί διαστάσεων Α5– και χρησιμοποιώντας στυλό και μαρκαδόρους με μύτη από συμπιεσμένες ίνες, ο καλλιτέχνης δημιουργεί προσχέδια τα οποία αποτελούν τον σκελετό πάνω στο οποίο θ’ αναπτυχθούν οι αφηρημένες μορφές και συνθέσεις που θα δημιουργήσει αργότερα. Στη συνέχεια αναπτύσσει περαιτέρω τις ιδέες του σε ξεχωριστούς πίνακες, δουλεύοντας κυρίως με λαδομπογιές σε ξύλινα ταμπλό και άλλες επιφάνειες. Για να δημιουργήσει μια εντύπωση ψευδαίσθησης όσον αφορά την προοπτική, ο Allen συχνά χρησιμοποιεί συμπαγείς σταγόνες μπογιάς για τη σκίαση των γραμμών που οριοθετούν τις μορφές στα έργα του, δημιουργώντας ένα τρισδιάστατο πλαίσιο για τις εικόνες και τους σχηματισμούς που περιέχονται μέσα σε αυτές.

Παρότι οι πίνακες του Allen έχουν ασυνήθιστους τίτλους, οι τελευταίοι έχουν επιλεγεί ώστε να διαθέτουν ένα συγκεκριμένο νόημα. Το έργο "Katterfelto" του 2004 ("Studio Version") πήρε το όνομά του από έναν περιπλανώμενο καλλιτέχνη-περφόρμερ ονόματι Gustavus Katterfelto, ο οποίος έγινε διάσημος περιοδεύοντας στην Ευρώπη στα τέλη του 18ου αιώνα ως ταχυδακτυλουργός, καταφέρνοντας να παρουσιάσει στο κοινό κάποια αμιγώς επιστημονικά φαινόμενα (όπως η μικροσκόπηση και ο ηλεκτρισμός) ως μαγικές οφθαλμαπάτες. Στα εικαστικά έργα του Allen, το κεντρικό τμήμα του πίνακα είναι εμπνευσμένο απ’ το στοιχείο της ψευδαίσθησης, που απέπνεε το έργο του Katterfelto. Ωστόσο, εκεί που ο τελευταίος θα χρησιμοποιούσε προπετάσματα καπνού και άλλα ταχυδακτυλουργικά κόλπα για να παραπλανήσει το ακροατήριό του, ο Allen αξιοποιεί μέσω των χρωμάτων την αίσθηση της προοπτικής προκειμένου να εξαπατήσει τον θεατή ως προς την πραγματική φύση των επιφανειών που δημιουργεί.

Μετάφραση: Γιώργος Τσελώνης